We all noticed that for some time now, Rennes (Brittany, France) is building a strong garage rock and roll scene that is worth just as much as what’s happening in and outside France. Dragster is the drummer and the bassist of Rigg, who decided to form their own band, since their ex-colleague has left to London and then came back with Madcaps and Catfight. Indeed, it’s a little bit complicated, but to resume, Rennes is like a swingers club. Most of the bands are friends, making up and breaking up, and everybody loves it. And it smells like sweat as well… Dragster throw some primitive rock which breaks your neck and each time I see them, it seems "Grototo" will explode his drum and Clément will end deaf because of his frenetic riffs… To be unbiased, some accidents already happened but both buddies now overcome their violent and fuzzy garage. From the first « ooh ooh ah ah » of the song “Lou L’enfer chasseur de dragons”, I feel some wild urges which makes me want to become Conan the Barbarian, holding a lager instead of a sword. After having played with Magnetix at Mondo Bizarro, White Mystery at the Sympatic bar (RIP) and for the Tattoo Convention at Stade Rennais, they’re heading to a one month tour around France (here is the detail). They will also release a limited edition cassette « GANJA WAR » via Six Tonnes de Chair but for now you can listen to some of their songs on the freshly released Hamburger Saignant comp (Frantic City Records) and on their bandcamp.
" Hi, this is Dragster, with Clément playing well guitar and Thomas, trying to play well drums. We’re currently sitting on our sofa, 4 place Sainte Anne, Rennes and we’re basically play some « primitive » garage as the old people would say. We’re playing 2.30 min songs (not much), with larsen, fuzz guitar and minimal rhythm. Concerning the singing part, we’re telling some cool stories about sex and hamburgers and our favorite hobby is to chill out on our sofa watching reality TV shows. "
x What is your definition of rock and roll or music ?
We can’t say that we’re really open-minded people, but for us, music must be fuzzy, from the 60’s till today. Rock and roll, and most particularly, « garage », is not to play in big venue or be played on big radios, we don’t care. To play in a shithole and messing around is what gives us a boner.
x A picture ?
She’s cool, isn’t she ?
x Worst nightmare ?
To support La Rue Ketanou or this kind of band. It will never happen but the very idea of it scares me so much. And by the way, the worst thing which happened for us is already in Kaviar Special’s interview, but at the end, I kind of think that there is a fun side to run barefoot on the highway.
x The place you enjoy the most ?
We’re not fussy people, so it can be a living room, a sofa… But I think our favorite place is Rennes (Brittany, France). So much things are going on there, the energy of this city is crazy. All of the garage bands are cool and there is plenty of places to have fun.
x 3 albums :
- Coachwhips - Double Death :
For us, this is the basis. We still didn’t find a better album. We can say that Coachwhips made us want to form Dragster, this is our main influence.
On l’a tous remarqué, Rennes se bâtit depuis quelques années une scène rock and roll à tendance garage qui n’a rien à envier à ses homologues nationaux. Dragster, c’est le batteur et le bassiste de Rigg qui ont fait leur truc à deux, après le départ du troisième qui est parti à Londres mais qui est revenu avec Madcaps et Catfight. Ouais, c’est un peu compliqué, mais en fait le garage à Rennes, c’est un peu comme dans un club échangiste. Les groupes sont tous plus ou moins potes, se forment et se déforment, mais tout le monde prend son pied, et le public en redemande ! (ok, un peu pardon pour la comparaison...) Ah oui, et ça sent la sueur aussi... Avec Dragster, le combo envoie un rock primitif à t’en déboîter les cervicales, à chaque fois j’ai l’impression que Grototo va exploser sa batterie avec ses baguettes, et que Clément va finir par s’éclater les tympans avec ses riffs frénétiques. Même s’il y a eu quelques accidents, inévitables si on fait preuve d’un minimum d’objectivité, les deux acolytes arrivent à maîtriser leur garage qui déborde de fuzz, de la violence juste comme il faut. Dès les premiers "ouh ouh ah ah" du morceau “Lou L’enfer chasseur de dragons”, je sens des pulsions sauvages qui me donnent envie de jouer à Conan le barbare (ou Conanne ?), avec une lager à la main plutôt qu’une épée. Après avoir joué notamment aux côtés des Magnetix au Mondo Bizarro, White Mystery au regretté Sympatic (pensée émue) et au Stade Rennais pour la Tattoo Convention, Dragsterpart en tournée un mois “un peu partout autour de la France”. Ils sortent une K7 en édition limitée GANJA WAR avec Six Tonnes de Chair mais tu peux aussi les retrouver sur la compile Hamburger Saignant de Frantic City Records qui vient de sortir. Regarde bien sur leur bandcamp et facebook, ils passent surement bientôt à côté de chez toi !
" Salut c'est Dragster, Clément, qui joue bien de la guitare, et Thomas, qui fait semblant de bien jouer de la batterie.
On est dans mon canap, 4 place Sainte Anne 35000 Rennes et on fait du garage « primitif », comme disent les vieux. On joue des morceaux de deux minutes trente pas plus, accompagné de larsens, guitare fuzz et batterie minimaliste. En ce qui concerne le chant, on raconte des histoires cool avec du sex et des hamburgers dedans! Sinon notre activité préférée c’est de chiller sur mon canapé en regardant de la télé réalité. "
x Votre définition du rock and roll ou de la musique ?
On peut pas dire qu’on soit très ouvert, mais pour nous la musique faut qu’elle soit à base de fuzz, des sixties à aujourd’hui. Après pour nous le rock, et plus particulièrement le « garage », ce n’est pas de jouer dans de grosses salles ou faire de grosses radios, ça nous intéresse pas. Jouer dans un rade et foutre le bordel c’est ça qui nous fait bander.
x Une image ?
Elle est cool non?
x Pire cauchemar ?
Jouer en première partie de La Rue Ketanou, ou un truc du genre quoi. Ça n’arrivera jamais mais rien que d’y penser j’en ai des frissons. Et le pire truc qui nous soit arrivé est déjà dans l’interview des Kaviar Special, mais je sais pas si finalement c’est le pire truc qui nous soit arrivé. Il y a quand même un côté fun à courir pieds nus sur l’autoroute.
x Un endroit préféré ?
On est pas difficile, un salon, un canap’... Notre endroit préféré je crois que c'est Rennes. Il s'y passe pleins de trucs, l'énergie de cette ville est folle ! Tous les groupes de garage sont cool, et puis y'a pleins d'endroits pour aller s'amuser !
x 3 albums :
- Coachwhips - Double Death :
Pour nous c’est la base. On a pas encore réussi à trouver un album mieux que ça. Et puis c’est Coachwhips qui nous a donné envie de monter Dragster, c’est notre plus grosse influence.
Marble Arch has this of incredible, not only it manages to take us far, very, very far away, but also to lose us in its proper definition.
Just considering the title (The bloom of division), this album is the definition of an in-between, an uncertainty, an emotion that we perceive as truly alive, a perfect instant, without having the first clue of why's that. That's exactly where you'll feel listening to Marble Arch. Where exactly? You won't know, but you'll be certain to be just fine there.
Dizzy, ecstatic or extraconscious, listening to this excellent album (in our views), we don't really know anymore. What we do know and what we can feel however, are those long tongues of warm air licking your face while a summer sun burns all you have left for it, as an offering. One of your hands is searching the sand, and the other holds a cone of strawberry-vanilla ice-cream, may even be mango, of which you observe the slow melting through polarized lenses. The songs keep playing one after the other, but time has stopped a long time ago. "Sunrise", "By the Lake", "Clock", "Slow motion" couldn't have been named else as they are the exact transcript of what their title seems to promise. And you, you are still there. Lying, you enjoy everything surrounding, your back is digging the perfect print in the beach, your taste buds husking the flavors of iodine and sweet gelato, a wick of hair swiping your warmed up forehead. In your ears, that enchanting melody whispered by the wind and welcoming any noise in its dance, is exactly what Yann (aka Marble Arch) composes. You might add some guitars for the perfect match, but still. If you'd turn around, you would probably see Mac Demarco and Ariel Pink holding hands, laughing, running in slow motion, lifted by the synthesizers of 10cc's "I'm not in love", under ketamin, but what we have here is way more complex.
We can find here some fragments from the Swedish, The Radio Dept, whom Yann is a big fan of, so he confides. The Reids brothers (The Jesus and Mary Chain) are obviously suspected of having been some close holidays companions during those never ending summers. In a more recent generation, we could refer to the more synthetic productions from Octa\Volta, naming François Villon, Future or even Dead under the condition, for those Dead members, that they're brought back to life, unconditionally. Maybe this resemblance is due to their youth, almost all of them breastfeeding and sucking on the same alcoholic tit of mother "Rue Saint-Michel" in Rennes, Brittany - France, or is it due to Yann's residency as Maria False's lead guitar player? This time again, it's probably something between...
So what could be a definition of... that? What genre are we listening at? "flip-flop gaze" (some holiday feeling shoegaze), "holiday wave" or "vapor gaze"... perhaps. But in the end, whatever! The definition that'll count is not the one that's given, but the one that you give to it.
Marble Arch a ceci d'incroyable, il réussit non seulement à nous emmener bien loin, très loin, mais aussi, à nous perdre dans sa définition propre.
Ne serait-ce que par son titre (The bloom of division), cet album est la définition même d'un entre-deux, d'une émotion vivace mais fugace, d'un instant qu'on sait parfait, mais dont on ne sait pas pourquoi? En écoutant Marble Arch, c'est exactement ici que vous vous sentirez. Où ca? On ne sait pas, mais vous serez certain d'y être bien.
Enivré ou superconscient, en écoutant cet excellent album (à notre sens), on ne sait plus vraiment. Ce que l'on sait et ce que l'on sent en revanche, ce sont les langues d'air chaud qui viennent lécher votre figure pendant qu'un soleil d'été cuit ce que vous avez de plus en offrande. Une main fouille dans le sable, l'autre tient un cornet vanille-fraise, peut-être mangue, dont vous scrutez la lente fonte au travers de verres polarisants. Les chansons défilent et pourtant le temps s'est arrêté, il y a bien longtemps. "Sunrise", "By the Lake", "Clock", "Slow motion" ne pouvaient s'appeler autrement tant elles sont la transcription même de ce que leur titre promet. Et vous, vous êtes toujours là. Allongé, vous profitez de tout ce qu'il y a à ressentir, le dos creusant son empreinte idéale dans la plage, les papilles goûtant l'iode et le "gelato" sucré, une mèche de cheveux dansant sur votre front chaud. Dans les oreilles, cette musique que chuchote la brise est tout à fait celle que compose Yann. Si vous vous retourniez vous apercevriez certainement un Mac Demarco tenant la main d'Ariel Pink, hilares, courant au ralenti sur les nappes version kétaminées de "I'm not in love" par 10 cc, mais il s'agit bien là de quelque chose de bien plus complet.
On y retrouve des fragments des suédois The Radio Dept, dont Yann (aka Marble Arch) est, nous confie-t-il, un grand fan ; on soupçonne évidemment les frères Reid (Jesus and Mary Chain) d'avoir été de bons compagnons de vacances, de langueur d'été. Dans une mouture plus contemporaine, on pourrait faire référence aux productions plus synthétiques d'Octa\Volta de François Villon à Future en passant par Dead, sous réserve évidemment, qu'ils aient retrouvé la soif de vivre. Peut-être ceci a-t-il à voir avec le fait qu'ils aient presque tous été nourris au sein alcoolisé de la même rue Saint-Michel de Rennes, ou encore à la résidence de Yann au poste de guitariste de Maria False. Encore une fois, il doit s'agir d'un entre-deux...
Alors quelle définition pourrait-on en donner? A quel genre a ton affaire? De la "flip-flop gaze" (de la shoegaze de vacances), de la "Holiday wave", de la "Vapor gaze"... probablement, mais peu importe la définition qu'on en donne, ce qui compte c'est celle qu'on s'en fait.
The Aussie quartet like to introduce themselves as "jerks from Sydney influenced by cheap beer and spicy chicken who make the kind of music The Ramones woulda made if they had an extra chromosome". Sounds promising, yeah? So let’s have a closer listen to their recent work and take a fuzzy ride through the Bachelor Pad’s discography.
The first release of the Australians was in 2011. With the tape "No Brains, No Headache" they delivered a punk-lo-fi record filled with catchy tunes that had the charm of bedroom recordings but still some potential for improvement was visible. Their song "Summer’s Coming" also caught our eye at that time and we were proud to include it on Foggy’s music selection vol. 12.
Other releases including the EP "Everyone Who's Not Us Can Suck It" in 2012 followed. The attitude of the band was clearly stated in songs like "Katy Perry's Amazing Breasts". These fellows definitely don’t take themselves too seriously and are up to fun lyrics. Throughout the last three years Bachelor Pad changed their musical style from the rough vocals to more defined ones. It is not quite easy to put them in one stated genre of music since they combine several elements from soft and poppy surf-rock and rough lo-fi punk but at the end, who cares?
"Dooming Out", their most recent release, that came out in January 2014 is filled with danceable and super catchy songs. "Movin' On", "Never Coming Back" and "Fried" are some of the examples for surfy and dreamy melodies that sometimes tend to get a bit kitschy (but in a good way). Then again, there are also songs like "Greaseball" that attract attention because of the outstanding harsh sound. Variety is definitely present on this record and it is quite a good one. Bachelor Pad worked on and perfected their style since their very first releases and yes, you can clearly hear the result of their progress on "Dooming Out" now. While listening to this LP I had associations with bands like: Useless Eaters, Ty Segall, Splashh and Fidlar. WELL BACHELOR PAD, YOU DEFINITELY DID EVERYTHING RIGHT. Strongly recommended!
Huw kindly answered to some of our questions...
"Bachelor Pad is a 4 piece rock ensemble comprised of the four tallest individuals from the Rock n Roll capital of the world Sydney, Australia. We use fuzz pedals, Casio keyboards and off key singing to make the best power pop you’ve ever heard. "
x What is your definition of rock and roll or music ? or describe how do you feel when you're doing music?
We make music for the lowest common denominator. Being smart is overrated. Being original is overrated. What’s the point in trying to do something new when playing the same three chords over and over is so much fun? We feel good when we play because people give us free beer.
x A picture?
The Saints were Australia’s first punk band, putting out there first 7' in 1976. Ed Kuepper didn’t have a guitar amp, he played through a PA system instead. They emerged out of Queensland which was Australia’s most backwards and conservative state and took the world by storm. Even though I think the word "punk" is stupid they are by far the greatest punk band ever.
x Worst nightmare ?
Being hung over at work. The struggle is real.
x The place you enjoy the most ?
The beer garden of my local pub on a Sunday arvo drinking jugs of beers with my mates.
x 3 albums :
- Gerling – Children of Telepathic Experiences:
THE greatest Australian band of the 1990s, which is saying a lot because Aus music RULED back then (check out The Hard-Ons, Custard, You Am I, Regurgitator, Happyland, Magic Dirt, Mach Pelican, ANYTHING that aired on the program Recovery and you’ll see). This album effortlessly skips from one genre to the next in the space of a song and we even named our band after their song "Bachelor Pad". - Thee Oh Sees – Help:
A modern masterpiece, one day I will write a song as good as "Enemy Destruct" but until that day I’ll just keep listening to this.
- Eddy Current Suppression Ring – Primary Colours:
The best modern day Australian rock band. DIY champions that went on to the conquer the world. The most amazing guitar tone you could possibly get from simply plugging in and playing. Mikey Young is a genius. He also mastered our album.
Le quartet australien aime se présenter comme "une bande de crétins influencés par la bière bon marché et le poulet épicé qui feraient du Ramones avec un chromosome en plus". Ça donne envie non? Jetons un œil à leur travail récent et embarquons pour une petite balade fuzzy autour de leur discographie.
Leur 1ère sortie date de 2011 avec la cassette "No Brains, No Headache", sur laquelle on découvrait un punk lo-fi aux mélodies accrocheuses. Le charme de ces premiers enregistrements (surement dans leur chambre) posait les bases d’un réel potentiel. On avait d’ailleurs playlisté leur excellente chanson "Summer Is Coming" dans notre mixtape WOL12. Suivra en 2012 l’EP "Everyone Who's Not Us Can Suck It" sur lequel on trouve des chansons aux titres aussi hilarants que stupides comme "Katy Perry's Amazing Breasts" et on commence à bien cerner la bande de jeunes. Ils font évoluer leur style, difficile à définir, entre compositions lorgnant vers le surf rock mais toujours habitées de punk sec et de chants râpeux, mais après tout, est-il vraiment important de les cataloguer? Dooming Out, leur nouvel album sorti en janvier 2014, est rempli de titres dansants et entrainants tels que "Movin' On’", "Never Coming Back" and "Fried". Les mélodies rêveuses y cotoient un surf rock kitsch (dans le bon sens du terme) mais aussi d’autres pépites brutes comme "Greaseball" qui, au fil des écoutes deviennent incontournables. On peut d’ailleurs évoquer d’autres artistes tels que Ty Segall, Splashh and Fidlar dans le même genre. Bien joué Bachelor Pad, on peut dire que vous avez assuré! À recommander donc...
Huw a gentiment répondu à nos questions :
"Bachelor Pad est un quatuor rock composé des 4 plus grands individus venant de la capitale mondiale du Rock n Roll, Sydney (Australie). On utilise des pédales fuzz, des claviers Casio, en chantant à côté de la plaque pour concocter la meilleur powerpop que vous n’ayez jamais entendu."
x Votre définition du rock and roll ou ce que vous ressentez en jouant de la musique ?
On fait de la musique pour le plus petit dénominateur commun. Être intelligent et original, c’est complètement surfait. À quoi ça sert d’essayer de faire quelque chose de nouveau alors que c’est tellement fun de jouer les 3 mêmes accords encore et encore ? On se sent bien quand on joue car les gens nous filent des bières gratos.
x Une image ?
The Saints sont le 1er groupe de punk Australien et ont sorti leur 1er 7’ en 1976. Ed Kuepper (l’un des fondateurs) n’avait pas d’ampli donc il jouait directement branché sur ses enceintes de chaine stéréo. Ils venaient du Queensland qui était l’État le plus arriéré et conservateur d’Australie et ils ont tout emporté sur leur passage. Même si je trouve que le mot "punk" est stupide, ils sont de loin le plus grand groupe de punk ayant jamais existé.
x Pire cauchemar ?
Avoir la gueule de bois au boulot. C’est une vrai lutte…
x Un endroit préféré ?
Le coin en plein air de notre pub local, un dimanche après midi à boire des pichets de bières avec mes potes.
x 3 albums :
- Gerling – Children of Telepathic Experiences:
LE plus grand groupe australien des 90’s, ce qui n’est pas peu dire sachant qu’à l’époque il y avait à faire (écoutez par exemple The Hard-Ons, Custard, You Am I, Regurgitator, Happyland, Magic Dirt, Mach Pelican, et TOUT ce qui passait dans l’émission Recovery sur ABC TV).
Cet album passe aisément d’un genre à l’autre dans une même chanson et on s‘est d’ailleurs appelé "Bachelor Pad" en référence à leur titre du même nom. - Thee Oh Sees – Help:
Un chef-d’œuvre moderne. Un jour j’écrirai une chanson aussi bonne que " Enemy Destruct " mais en attendant je ne peux que continuer à l’écouter.
- Eddy Current Suppression Ring – Primary Colours:
Le meilleur groupe de rock australien actuel. Les champions DIY qui sont allé conquérir le monde. Le son de guitare le plus incroyable que tu peux obtenir simplement en te branchant et en jouant. Mikey Young est un génie, et il a d’ailleurs masterisé notre dernier album.
Discovered last november after randomly browsing the internet, we cyber-ran into a link to her new album "Mug Museum". We never could get rid of it since then. So, we dug, and dug even more, down to her roots, excavated her first recordings in welsh, her proximity with Gruff Rhys (ndr : Super Furry Animals) who took her under his wing, and her first album "Me Oh My" (2009).
More acoustic, Cate would leave her mark there, sometimes sweet and shy, sometimes sour and valiant, a burgeoning talent.
The style was already there, pure and perfect melodies, dreamy words carried by her leading guitar. Because yes, in addition to being one of the finest voices of her generation, same could be said about her sound. Guitars, she loves them, those that capture us perfectly and simply, those that catch us in their harmonies.
We know that Cate listened to the English rock scene of the 90's, things like Pavement, rock classics with her father, and, we think, a lot of Velvet Underground. Not really thinking of Nico here, with whom she has been much compared (voice and accent) but the others : the Welsh John Cale, Lou Reed, Sterling Morrison, Moe Tucker, and their dark and illuminated symphonies married with guitars and rhythmic projections ...
In 2012, her album " Cyrk " and the small yet brilliant following EP " Cyrk II ", raise some distortion envies and overwhelming splendor as it can be heard on Fold The Cloth, What Is Worse, That Moon or Seaside, Lowtide.
And then comes "Mug Museum", released late 2013, and the reason to this tour. Recorded in LA where she moved last year, her music could grow and mature, maybe thanks to the sunbathes. It’s now strong and subtle, she’s on top of her art.
It is a success that was also praised by her peers. Bradford Cox (Deerhunter) and Tim Presley (White Fence), among others, have been slapped in the face by this young Cymric talent from the old continent, that one that also beautifully covered the song "Chairs in the Dark " from the californian.
After dissecting her discography, there is no other option than falling into a strong addiction, and the only solution is to dig again and again. We can therefore give her musicians a try. On the Welsh side, there are the guitarist H. Hawkline and the bassist Sweet Baboo but also Dan Ward, the drummer, and his project "Droor" who comes from New Zealand. They all released great albums to discover.
Cate Le Bon is part of this generation of artists that makes us quiver, and that carry us away nowadays. And if you dig a little, gateways between musicians that we admire, are not so far away. Then in passing, it seemed logical to us to ask Guillaume Marietta from " The Feeling Of Love " for his opinion, having noticed he also fell under the spell of the beautiful Welsh and her universe, not so far from theirs. He asks her a few questions here denoted with an *.
It is near the Reeperbahn in Hamburg, at the Prinzenbar and its beautiful almost evangelical scenery, that Cate Le Bon greets us this evening of the 4 of March.
On stage, she electrifies herself, serene, elegant, and grabs us adorably. Her voice resonates and the Welsh tribe is closer than ever. Dark and fatal, she charms our ears, chills are there and, without noticing it, it's over ... Bye Bye Cate, send some news very soon.
Now the interview…
x At what point did you assume your voice and your way of singing?
Cate Le Bon : I think I never thought of myself as a singer, because in the school I went to, it was more like classical singing that was held in, that had a value, and I can’t sing classically very well. But then, I just started a school band and you know, it’s like an instrument, the more you sing the more you can sing...
But for some reasons, I was always trying to filtrate my accent from my singing so I think even on “Me Oh My”, that was probably the first things I properly recorded, I was very consenscious about my voice. But since then, I think I’ve just kind of stopped trying to sing in any particular way and I’ve just let my voice be what it is, and not be frightened because there are some words, for some reasons, I just can’t pronounce but that’s just the way it is.
x So do you play with your accent?
Yeah and just let it be what it is instead of trying to... There are certain words that I’m drawing to accentuate the accent and I think I like the sound of it and I’m also putting a lots of extra syllabes into it. It can prove to be quite useful ...
x How could you define your relation with the guitar, I don’t know if it’s your main instrument?
Yes and again it was one of the thing I was always frightened of playing live... But I’ve been lucky to play with good friends, who would bully me into playing.
I mean, for years, there have been solos that I just would’t play live. And they got to the point where they would walk over to me and press my fuzz pedal and then I have to. It’s also just confidence which grows...
I remember Tim from White Fence once telling me that he loved how I play guitar and it absolutely made my day because he’s one of my favorites guitarist... So it’s just... I love playing guitar...
x And you have your own style...
Yeah that’s one way of putting it! (laughs)
x How do you make it work with your voice?
I don’t really think about it too much... I don’t know, it’s really difficult trying to explain how you write a song because I just do it and I don’t think about it. A lot of the guitar parts melodies have come from the vocals melodies so it’s some delicate balance...
x The relation with your bandmates seems very strong, are they your soulmates?
Definitely yeah, we’ve been close for years, playing together. We all played in H. Hawkline’s band, in Steve’s band (Sweet Baboo)... We’ve been very lucky to have that. H. Hawkline and I live in Los Angeles together and Steve came to record the record but we stayed there and live there now.
x And at what point did you tell yourself that you wanted to move to Los Angeles? As I remember an interview in 2010 where you already were talking about that...
I’ve always wanted to go. I went here years ago for Neon Neon stuff and it’s just a weird and wonderful city and I was really animate by it.
I didn’t want to just visit, I wanted to live there and really understand how it worked…
And it’s beautiful, it’s hot, amazing musicians...
Some time ago, I was out there and we played a gig, White Fence supported us and we became friends since then.
And I was talking to Joe (ndr : Josiah Steinbrick, one of the producer of the album) who was playing in White Fence at the time and I said to him "Fuck, I’d really like to go to Los Angeles to make a record" and he said "well why don’t you just do it then? We could make it happen".
And then the next night I went to see them play again at the Troubadour and I was sat right at the top and I was just watching Nick, the drummer playing… "Holy shit! I have to have him play on my record!"
I asked him afterwards and he said yes so I thought "Well it’s gotta happen now… and if I don’t make the move now, I probably never will". Then Josiah asked Noah Georgeson if he could produce the record as well and then it kind of fall into place... So just all happened really, suddenly...
x Were you kind of bored with your Welsh life?
I think you just need a change sometimes as it’s easy to get caught up doing the same old thing. And it’s nice to have a break and work with new people and be surrounded by different climate... because suddenly it would affect the music you’re making and so...
There are some records that I really want to make with people once I’m out there and take advantage of all that, these wealths of musicians who are new to me, new studios, I guess new attitude towards life even. So make as much music as I can when I stand there.
x And you’re not feeling as a stranger there with your welsh roots?
No! I mean, there are some people who don’t understand me, but that’s fine! That happens in England too so it’s ok!
x Is Mug Museum an American album? or did you work on it before moving to the US?
Well I wrote a lot of it in Wales. But it was more like, having that time in a different city than where you constantly are doing things or seeing your family or close friends and you haven’t that time to just sit and go "right, I’m here to make this record".
I was very aware that I would have been foolish to go out there with all new musicians because we have a very special relationship when we play music as well as friends would have. So I wanted Steve and H. Hawkline to come with me but then use Nick and then these two American producers.
I think it was a nice mix where you didn’t go too far into the realms of the unknown and strange while you can still have its deepth and what we have made and build in Wales…
x In the video of "Are You With Me Now", we can see you handcrafting mugs... *
I started doing it after making the record. It was initially to switch off because I was constantly just thinking about the record, the music and everything and it was starting to become annoying.
I did it to have that time away, and to do something different. And when you get back to it your mind is fresh. I think it has been one of the best thing I could have done to keep going on. It’s so meditative...
I made hundred mugs for the first LP’s order of the record so the video is me trying to find time to make the mugs and make a video...
x What does this kind of handcraft bring to your artist life? Do you think it interacts, communicates or answers with your music? *
Well, I kind of have the same attitude towards the mugs that I’m making as the songs whereas I’m not a perfectionnist, and I like things to be a little bit :"that’s the way they are".
It’s true a point has to come when you have to stop messing with something or you’ll just loose complete track of it . It was kind of the same with making the mugs and when you kind of fuck around with it, you start loosing what you were going for in the first place.
There is that moment when you have to go "right, this is finished". I have draw the same lines in both way. I’m quite happy if it’s not perfect but it’s what I like.
It’s interesting, to know, to have to make that decision to go right because you can’t go back and correct something once you’ve baked it and you can’t go back once it’s mastered. It’s good knowing when to make that decision.
I have the impression that your universe is connected from a distance or close up to some spirits. Spirits of our deads, primitive spirits with an animal figure, or spirit coming from elsewhere…? *
Yeah, I don’t know, it’s something that you can tie in, I guess explore. But it can change quite significantely from one day to the next. And so I guess a lots of the songs are an exploration of some sort of spiritual world and it kind of bring sense to the meaning.
And I grew up in the countryside and I have always just been so fond of animals and their presence. They’re symbols for things, that kind of themes, can always be the strongest things you could go towards...
x Are you haunted by this kind of spiritual thing?
I don’t feel haunted in a bad way about anything. I think there are hauntings that could happen. Haunting sounds like such a bad word but I don’t think it is.
I’m not crazy!
But yes in the way of, when you feel something, yeah sometimes.
x And in your daily life? *
No, not so much but you know. You have moments especially when you’re traveling and you have a lot of time to think. Sometimes it can be a wonderful thing and sometimes it can be a curse.
x We can also find love as a theme in your lyrics. What is your point of view about that?
I don’t really have a thing about romantic love, it’s mostly familiar love, or platonic love. Mug Museum is mostly about familiar love. And I think on the most part I’m quite positive.
But I struggle to write about romantic love because I’m quite shy.
x In the themes that Mug Museum alludes to, there is also the late passing of your Grand Ma…
It’s not a morbid record, it’s about afterwards, how things changes in a family afterwards.
And again, you know, about that kind of haunting but a nice haunting where you kind of still feel someone... It’s about how the closest I will ever be trying to pin some sort of meaning of life...
x And about the change of your role in the family?
I just feel older but in the nice way, more understanding of my responsibilities as a sister, aunty and daughter. This was a time when you realise "oh okay" and you’re part of this system that has to keep moving and evolving whereas people can leave...
2007 No One Can Drag Me Down (Recordiau Randomonium)
2008 Edrych Yn Llygaid Ceffyl Benthyg (Peski)
2009 Me Oh My (Irony Bored)
2012 Cyrk + Cyrk II (Ovni / Turnstile)
2013 Mug Museum (Turnstile)
Découverte en novembre dernier après être tombé par hasard sur un lien d’écoute de son dernier album Mug Museum, on n’a depuis jamais pu décrocher. Alors, on a creusé, déterré ses débuts, ses racines, avec ses premières chansons en gallois, sa proximité avec Gruff Rhys (ndr: Super Furry Animals) qui l’a prise sous son aile, puis son 1er album "Me Oh My" (2009).
Plus acoustique, Cate y marquait de son empreinte, tantôt douce et timide, tantôt sûre et vaillante, un talent en pleine éclosion.
Le style était déjà là, mélodies pures et parfaites, mots rêveurs portés par une mise en valeur de la guitare. Car oui, en plus d’être l’une des plus belles voix de sa génération, il en est également de sa griffe musicale. Les guitares, elle les aime belles, celles qui nous saisissent parfaitement et simplement, celles qui nous capturent dans leurs harmonies.
On sait que Cate a écouté la scène rock anglaise des 90’s, des choses comme Pavement, les classiques rock avec son père, et on pense aussi beaucoup au Velvet Underground. Pas vraiment par rapport à Nico à laquelle elle a beaucoup été comparée (voix et accent) mais plutôt aux autres : le gallois John Cale, Lou Reed, Sterling Morrison, Moe Tucker, et leurs symphonies sombres et illuminées mariées aux guitares et aux rythmiques saillantes...
En 2012, son album " Cyrk " et sa petite suite éclatante sous forme d’EP, " Cyrk II ", élèvent des envies de distorsion et une splendeur bouleversante comme peuvent l’évoquer Fold The Cloth, What Is Worse, That Moon ou encore Seaside, Lowtide.
Puis arrive Mug Museum, sorti fin 2013 et qui justifie cette tournée. Enregistré à Los Angeles où elle a emménagé l’an passé, sa musique y a pris le soleil et toutes les bonnes influences des alentours. L’ensemble est fort et subtil, on atteint des sommets.
C’est un succès qui sera également encensé par ses pairs. Bradford Cox (Deerhunter) et Tim Presley (White Fence), entre autres, ont eux aussi pris en pleine face le talent de cette jeune kymrique débarquant du vieux continent, celle, qui a d’ailleurs sublimement repris ou plutôt réinterprété la chanson "Chairs in The Dark" du californien.
Après avoir décortiqué sa discographie, on devient addict, et la seule solution est de creuser encore et encore. On peut donc se pencher sur sa bande de fidèles musiciens. Du côté gallois avec le jeune guitariste H. Hawkline et le bassiste Sweet Baboo mais aussi le batteur néo-zélandais Dan Ward et son projet "Droor" qui ont tous sortis d’excellents albums à découvrir absolument.
Cate Le Bon fait partie de cette génération d’artistes qui nous fait trépider, et nous porte aujourd’hui. Et si l’on creuse un peu, les passerelles entre ces musiciens, que nous admirons, ne sont pas si éloignées que ça. Alors au passage, il nous a paru cohérent de demander son avis à Guillaume Marietta des Feeling Of Love, ayant remarqué qu’il était également tombé sous le charme de la belle galloise et de son univers, pas si éloigné du leur. Il lui pose ici quelques questions notées d'une * .
C’est près de la Reeperbahn à Hambourg, au Prinzenbar et son très beau cadre presque évangélique, que Cate Le Bon nous accueille ce soir du 4 mars.
Sur scène, elle s’électrise, sereine et pleine d’élégance, et nous happe adorablement. Sa voix résonne et la tribu galloise est soudée comme jamais. Sombre et fatale, elle nous en met plein les oreilles, les frissons sont là et, sans que l’on s’en rende compte, c’est déjà fini... Bye Bye Cate, donne-nous des nouvelles très vite.
Place à l’interview...
x À quel moment as-tu pris conscience de ta voix, de ta façon de chanter?
Cate Le Bon : Je pense que je ne me suis jamais vraiment vue comme une chanteuse "à voix" car à l’école que je fréquentais, c’était plus le chant classique qui était enseigné et mis en valeur. Donc même si je pouvais chanter dans la chorale, je n’étais pas très bonne pour ça. Mais à partir du moment où j’ai monté un groupe à l’école, comme tous les instruments, plus tu chantes, plus tu t’améliores…
Pour différentes raisons, j’essayais toujours de filtrer mon accent par rapport à ma façon de chanter, j’étais vraiment consciencieuse vis à vis de ça, et on peut l’entendre sur "Me Oh My" qui étaient mes vrais premiers enregistrements. Mais depuis, je pense que j’ai arrêté d’essayer de chanter d’une façon particulière et je laisse ma voix telle qu’elle est, sans me poser de questions et sans être intimidée par le fait que je prononce certains mots bizarrement, c’est juste comme ça.
x Donc tu joues avec ton accent?
Oui et je le laisse simplement être ce qu’il est… Il y a certains mots pour lesquels je fais exprès d’accentuer l’accent, d’y ajouter des syllabes et je trouve que ça sonne plutôt bien. Donc ça peut s’avérer utile…
x Peux-tu nous parler de ta relation avec ta guitare ?
Encore une fois, c’est quelque chose qui m’a toujours intimidée, notamment pour le live. Mais j’ai la chance de jouer depuis des années avec des bons amis qui m’ont toujours poussée.
Pendant des années, il y a plein de solos que je ne voulais pas jouer live. Au point que mes amis ont du me bouger et quasiment appuyer sur ma pédale de fuzz, et là, je n’avais plus le choix. Et puis au fur et à mesure la confiance grandit…
Je me souviens du jour où Tim de White Fence, m’a dit qu’il adorait ma façon de jouer. Ça m’a tellement fait plaisir, car c’est vraiment l’un de mes guitaristes préférés… donc voilà, j’aime jouer de la guitare…
x Et puis on peut dire que tu as ton propre style...
Oui, on peut dire ça comme ça ! (rires)
x Comment tu mêles ça avec ta voix ?
Je n’y pense pas vraiment, je ne sais pas. C’est difficile d’expliquer comment tu écris une chanson, ça vient comme ça. La plupart des mélodies à la guitare viennent des mélodies vocales, c’est un équilibre délicat à trouver…
x Ta relation avec tes musiciens parait très forte, un peu comme des âmes sœurs…
Complètement oui, on est très proche depuis toutes ces années à jouer ensemble. On a tous joué les uns pour les autres, dans le groupe de H. Hawkline, dans le groupe de Steve (Sweet Baboo)… On a vraiment de la chance d’avoir cette relation. H. Hawkline et moi vivons ensemble à LA et Steve est venu pour l’enregistrement de l’album et on y est tous restés depuis.
x Et à quel moment tu t’es dit que tu voulais aller vivre là bas ? Car je me souviens d’une interview en 2010 où tu en parlais déjà.
J’ai toujours voulu y vivre. J’y suis allé la première fois il y a quelques années avec Neon Neon et j’ai découvert une ville merveilleuse et étrange, qui m’a vraiment animée.
Je ne voulais pas juste visiter, mais vraiment y vivre et comprendre comment ça fonctionne là bas. Et puis c’est beau, il fait chaud, il y a des musiciens extraordinaires…
Il y a quelque temps, on y a joué un concert avec White Fence avec qui on est en quelque sorte devenu ami, en plus d’apprécier mutuellement notre musique.
Et je parlais à Joe qui jouait avec White Fence (ndr : Josiah Steinbrick, l’un des producteurs de l’album) : " mais merde, j’aimerai vraiment venir à LA pour enregistrer un album " et lui m’a répondu " mais pourquoi tu ne le fais pas alors ? On peut mettre ça en place… "
Le lendemain soir, White Fence jouait au Troubadour et j’étais au balcon, juste en face du groupe et je ne pouvais pas décrocher de Nick (Murray), le batteur. " Putain de merde ! Je dois avoir ce mec sur mon album ! "
Donc je lui ai demandé juste après et il a m’a dit oui et c’est là que je me suis dit : " Ok, ça doit se faire maintenant " avec le sentiment que si ça ne se faisait pas maintenant, ça ne se ferait jamais. Et puis Josiah a demandé à Noah Georgeson s’il voulait aussi produire l’album et donc au fur et à mesure, quelque chose s’est mis en place. Donc tout ça s’est fait assez soudainement…
x Tu en avais marre de ta vie au Pays de Galles ?
Je pense que parfois tu as juste besoin d’un changement. C’est facile de se retrouver bloqué, enfermé sur soi-même à faire les mêmes choses. Ça fait du bien de couper et de travailler avec de nouvelles personnes, de se retrouver dans un nouvel environnement, ça affecte directement ta musique…
Et il y a des choses que j’ai vraiment envie de faire avec les gens là bas, profiter de la richesse musicale locale avec tous ces musiciens, les studios, la façon de vivre et de voir, toutes ces choses qui sont nouvelles pour moi. Faire le plus de musique possible tant que je suis là-bas !
x Et tu ne te sens pas étrangère là bas?
Non, bon, il y a des gens qui ne me comprennent pas, mais ce n’est pas grave, ça arrive aussi en Angleterre ! (rires)
x Mug Museum, c’est un album américain ? Ou tu avais commencé à travailler dessus avant ?
Et bien, j’en avais écris une grosse partie au Pays de Galles, mais je dirais que c’est plus le fait de vivre, d’avoir cet environnement, dans une ville différente, alors que " chez toi " tu as toujours des choses à faire, voir ta famille, tes amis et tu n’as as vraiment le temps de t’assoir et de te dire : " ok maintenant je fais ce disque ".
Je suis assez consciente du fait que j’aurais été stupide d’aller là bas seule et d’avoir tout fait avec des nouveaux musiciens car avec les membres du groupe, on a vraiment cette relation spéciale quand on joue en plus d’être amis. Donc je voulais vraiment que Steve et H. Hawkline viennent avec moi, prendre Nick à la batterie, et les deux producteurs qui sont américains.
Je pense que finalement ça a donné un bon équilibre où on ne s’est pas aventuré trop loin dans l’inconnu et l’étrange en gardant la profondeur et les bases qu’on a bâti au Pays de Galles.
x Dans ton clip, "Are You With Me Now", on te voit faire des mugs en terre cuite... *
J’ai commencé juste après avoir terminé d’enregistrer l’album. A l’origine, c’était histoire de faire un break, de me couper de tout ça car j’y pensais constamment et ça devenait assez pénible… J’ai fait ça pour me changer les idées, faire quelque chose de différent et pouvoir y revenir avec l’esprit clair et libéré et au final c’était une super idée afin de passer à autre chose. C’est tellement méditatif…
Et en fait, j’ai du fabriquer une centaine de mugs pour les premières commandes de l’album (ndlr : ces mugs étaient offerts avec les disques et le label n’avait pas prévu tant de demandes), donc la vidéo c’est moi essayant de trouver du temps pour finir les mugs tout en faisant un clip…
x Qu’est ce que cette forme d'artisanat apporte à ta vie d'artiste. Comment ça se répond ? *
Et bien, j’ai le même état d’esprit quand je fais des mugs que quand j’écris une chanson, dans le sens où je ne suis pas une perfectionniste, et j’aime bien les choses " comme elles sont ". Il y a toujours un moment où tu dois arrêter de te prendre la tête sinon tu perds complètement le fil. C’était un peu la même chose dans la fabrication de mes mugs, si par exemple je voulais les retravailler encore et encore, au final je foutais complètement en l’air le résultat. Dans ce cas là, tu en oublies ton objectif de départ. Il y a un moment où tu dois te dire " maintenant, c’est fini ". Donc j’ai la même approche et vision pour ces deux choses. Je suis plutôt contente même si ce n’est pas parfait mais c’est aussi comme ça que j’apprécie les choses.
C’est intéressant, de prendre conscience et de savoir que tu as cette décision à prendre à un moment donné car tu ne peux pas retravailler quelque chose une fois que tu l’as cuit comme tu ne peux pas revenir en arrière une fois que c’est masterisé. C’est bien de savoir quand tu dois prendre cette décision.
x J'ai l'impression que ton univers est connecté de prêt ou de loin aux esprits, esprits de nos morts, esprits primitifs avec la figure de l'animal, ou esprits venus d'ailleurs...? *
Oui, c’est quelque chose auquel on peut se rattacher, et explorer j’imagine. Mais ça peut avoir plus où moins d’influence d’un jour à l’autre. Et je pense que beaucoup de mes chansons sont des explorations de sorte de mondes spirituels et ça donne une certaine perception par rapport à leur signification.
Et j’ai grandi à la campagne et j’ai toujours adoré les animaux et leur présence. Les symboles qu’ils peuvent représenter, ce genre de thèmes. Ce sont vraiment les choses les plus fortes vers lesquelles on peut aller ...
x Tu es hantée par des choses spirituelles ?
Je ne me sens pas hantée dans le mauvais sens par quoi que ce soit. Je pense qu’il y a des apparitions, dans le fait d’être hanté, qui peuvent arriver. Mais ce mot " Hanté " sonne tellement négatif alors que je ne trouve pas que ça soit toujours le cas. Je ne suis pas folle hein ! (rires) mais oui, dans le sens où tu ressens certaines choses, oui parfois.
x Et dans ta vie de tous les jours? *
Non, pas tant que ça, mais il y a des moments, particulièrement quand tu voyages beaucoup par exemple pendant les tournées, où tu as beaucoup de temps, et donc pour penser. Parfois ça peut être très bon et stimulant mais parfois ça peut aussi être un poids.
x On retrouve le thème de l’amour aussi dans tes paroles, ton point de vue par rapport à ça ?
Je n’aime pas vraiment écrire sur l’amour romantique, c’est principalement familier, ou platonique. Mug Museum évoque l’amour familier, et dans l’ensemble, j’y suis plutôt positive. Mais j’ai du mal à écrire sur le côté romantique de l’amour, parce que je suis timide.
x Et Mug Museum évoque aussi la mort dans la famille, par rapport au décès de ta grand mère…
Mais ce n'est pas un album morbide, il s'agit de la suite, comment les choses changent dans une famille après ça, et encore une fois cette espèce de hantise, mais une belle hantise où tu sens la présence de quelqu'un... Je suppose que c’est ma façon d’essayer de chercher et de cerner une sorte de sens de la vie ...
x Et un changement de ton rôle dans la famille comme tu l’as déjà évoqué ?
Je me sens plus vieille, mais dans le bon sens, je comprends plus mes responsabilités de sœur, tante et fille. Ce sont des moments où tu réalises, " oh ok " et tu fais partie de ce schéma qui doit aussi continuer à aller de l’avant et à évoluer quand il arrive que des personnes s’en aillent où te quittent en quelque sorte…
x Et ta place en tant que femme dans la famille ?
Oui, c’est plus maternel et féminin…oui
x Est ce que tu peux nous conseiller un peu de musique galloise ?
2007 No One Can Drag Me Down (Recordiau Randomonium)
2008 Edrych Yn Llygaid Ceffyl Benthyg (Peski)
2009 Me Oh My (Irony Bored)
2012 Cyrk + Cyrk II (Ovni / Turnstile)
2013 Mug Museum (Turnstile)
Let's put it like this: I had been warned that the Shears Twins are a crazy bunch. It's just that I didn't quite expect the outcome of going to one of their gigs.
With The Garden's stage time at Komet Club being 10 pm – which is, without a support act, pretty late already for a weeknight – and someone (either club staff or their manager) being into football a bit too much, we legitimately wait upstairs for a full 45 minutes until the Champions League watchalong is over and we're let in.
As soon as the show begins, though, all disappointment is swept from my mind immediately, with a mix of amusement and awe taking over very quickly.
Identical twins Wyatt (bass) and Fletcher (drums), no older than 20, grew up in Southern California. Unlike those modeling first and then feeling the need to start a band, the Shears twins were hit with an offer by Yves Saint Laurent after having played a show at The Echoplex in January. Just the other way around. They're now the faces of YSL's Fall/Winter 2013 Menswear campaign and basically Hedi Slimane's new muses.
But does that stop them from playing to 40 people in a tiny basement club in a European city?
Not at all.
Their setlist is packed with 23 songs, but trust me, they play about 30. Is it any wonder with half the songs being 30 seconds long, though?
While Fletcher, squatting on his drum throne and making faces at everyone photographing him, gives us fast beats – a lot of them made up on the spot as well – his brother keeps shouting ordinary things like "I see an 8 foot tall man walking out of the forest", "VADA VADA!" and "I'm a woman" at us.
And sometimes, when nothing else comes to mind in between songs, intelligent outbursts like "BLAARRGGHHH rainbow."
I know the crowd enjoys it, but barely a quarter of them manages to move more than a few inches because they're both intimidated and awestruck by the craziness and laziness of these twins.
After about half of the 60-minute-set, we get the weirdest encounter with The Garden 'playing' us a quick interlude: Three or four songs consisting of Hip Hop beats from Wyatt's phone and the boys rapping. Both of them. While jumping around of the two square meters that the stage has to offer. And sometimes in the crowd.
No one can pretend they really saw that one coming.
"You don't like us, I know you don't!," cries Wyatt in between songs, and I'd love to tell him that's just our Northern reservation – we do seem aloof, but we're usually just shy.
Wyatt is convinced that we do like him when a few brave fans call for an encore after the set, and we get another three or five or maybe seven songs … who even knows with those lengths?
Let me get this straight: The Garden twins are more than just two pretty faces (undoubtedly), they're great entertainers as well, and even if you don't like to listen on their dirty lo-fi garage punk on record (which you should), you better go see them live the next time you get the chance to.
And don't be scared to yell along: most of the songs don't consist of more than one sentence.
Learning by doing.
